米勒的《播种者》：

1、让·弗朗索瓦·米勒（1814年10月4日－1875年1月20日），出生于法国诺曼底半岛格鲁什村（Gruchy），耕农家庭之子；
童年时曾帮助父亲在田间劳动。因而被称为“农民画家”。
17岁，创作了《牧羊人在看守他的羊群》，显示出极高的绘画天赋。
18岁起，到瑟堡市（Cherbourg）向两位当地画家学习绘画。
23岁，获得瑟堡市议会的奖学金，到巴黎美术学院向浪漫主义派画家德拉罗什学习。米勒也常常去卢浮宫，从米开朗基罗、普桑、林布兰特的画中临摹学习到不少表现技巧。
35岁创作《拾枯草的人》获得1000法郎的奖金。米勒在巴黎贫困潦倒，亡妻的打击和穷困压得他透不过气来。为了生存，他用素描去换鞋子穿，用油画去换床睡觉，还曾为接生婆画招牌去换点钱，为了迎合资产者的感官刺激，他还画过庸俗低级的裸女。
54岁获颁荣誉勋章。1874年法国政府委托他绘制万神殿大壁画，但因健康问题无法完成。
1875年（61岁时）咯血病(肺结核)逝于巴比松。

2、《播种者》作于1850年，现藏于美国波士顿美术馆。画面上只有一个人物──播种者，他顶天立地，占据着画中央，为了突出人物，背景和道具减到最少程度，构图极其单纯，除了远处一个赶着牛耕地的农夫以外，前景上只有这个顶天立地的播种者。播种者的雄姿整个儿浸融于暗红色夕阳的逆光和黄昏的暗影之中，他脸上和身上的色彩和线条，却是模糊不清的。只隐约可见他身着褪了色的红上衣、蓝裤子，扎着白色绑腿，但这一切均被朦胧暗影所融化、糅合，仿佛同大地溶在一起了，使他那大步流星的雄健的播种姿态形成一个“全体形态的效果和剀切的动作而表现的”（米勒语）美的形象。

作家雨果从这幅画中看到对人民创造力量的赞美，因而予以充分的肯定。荷兰画家凡·高评述说：“在米勒的作品中，现实的形象同时具有象征的意义。

米勒《拾穗者》：米勒作于1857年，油画（83.5×111厘米），巴黎卢佛尔博物馆藏。这幅画原来的题目是《八月》。，米勒采用横向构图描绘了在秋天的阳光下，三个农妇在刚收割过的田里弯腰拾穗的情景。背景是一垛一垛高高的麦垛，显示了一派丰收的景象。三个正在弯着腰，低着头，在收割过的麦田里拾剩落的麦穗的妇女形象，她们穿着粗布衣裙和沉重的旧鞋子，在她们身后是一望无际的麦田，天空和隐约可见的劳动场面。米勒没有正面描绘她们的面部，也没有作丝毫的美化，她们就如现实中的农民一样默默地劳动着。对于农民来说，散失在田里的麦穗是多么的宝贵啊，它含有“粒粒皆辛苦”的真理。在造型上，米勒用较明显的轮廓使形象坚实有力，很好地表现了农民特有的气质。色彩沉着，加之丰富细腻的暖调子，使作品在纯朴浓厚浑厚中，具有撼人的力量。罗曼.罗兰曾评论说:“米勒画中的三位农妇是法国的三女神”。

列宾《伏尔加河上的纤夫》：

1、列宾（1844—1930），19世纪后期伟大的俄罗斯批判现实主义绘画大师。生于乌克兰丘古耶夫，卒于库奥卡拉。早年随圣像画师学画圣像，1864年进入皇家美术学院，1871年参加毕业生命题创作竞赛获金质大奖。1870～1873年创作《伏尔加河上的纤夫》。

2、《伏尔加河上纤夫》是他的成名之作。还在学生时代，彼得堡涅瓦河上纤夫的沉重劳动引起了列宾的同情，从那时候开始，他就想描绘一幅表现纤夫的作品，以提示下层劳动人民的痛苦生活和社会的不平。1870年夏季，列宾与同班同学华西里耶夫(他后来也画过有关纤夫的画)去伏尔加河旅行写生，典型的俄罗斯风光和纤夫的生活给他留下了难忘的印象。画中列宾画了十一个饱经风霜的劳动者，他们在炎热的河畔沙滩上艰难的拉着纤绳。纤夫们有着不同的经历和个性，他们生活在社会的最底层，但这是一支在苦难中练成坚韧不拔，互相依存的队伍。背景运用的颜色昏暗迷蒙，空间空旷奇特，给人以惆怅、孤苦、无助之感，切实深入到纤夫的心灵深处，亦是画家心境的真实写照，这对画旨的体现，情感的烘托起了极大的作用。

在这幅画的构图上，列宾利用了沙滩的地形和河湾的转折，使十一个纤夫犹如一组雕像，被塑造在一座黄色的、高起的底座上。在画面上又对伏尔加河的景色进行了巧妙的布局，使这幅画具有宏伟深远的张力，画中的背景运用的颜色昏暗迷蒙，空间空旷奇特，给人以惆怅、孤独、无助之感，切实深入到纤夫的心灵深处，亦是画家心境的真实写照，这对画旨的体现，情感的的烘托起了极大的作用。因此本画的构图、线条、笔力等绘画技巧都是相当成功的。被烈日炙烤的焦黄的河岸上，一队蓬首垢面、衣衫褴褛的纤夫拖着沉重的脚步拉着货船，在酷日下精疲力竭的向前挣扎。他们中有老有少，个个都衣着破烂、面容憔悴。领头的是一位胡须斑白的老者，眼睛深陷，坚毅的面孔透出饱经风霜的智慧，但愁苦的表情仍然显示了他对于艰苦生活的无奈。走在最后的纤夫低着头垂着手，麻木地随着队伍向前挪动，似乎已经习惯了这样日日苦役般的生活。队伍中还有一个较为突出的形象，是处在队伍中部的一位少年，可以看出他才开始这样的工作不久，皱着眉头还不太习惯，他直起腰想用手松一松肩头紧勒的纤绳，毕竟年轻，还不甘心忍受这样的苦楚。其余的纤夫都弯着腰低着头，似乎已没有多余的力气再来表现点什么，在他们身上剩下的，惟有贫苦、艰难与无奈。

在这幅反映纤夫苦难生活的画里，与其说是人与自然在搏斗，不如说是人在与残酷无情的黑暗命运和社会搏斗。

凡高《向日葵》：

文森特·梵·高（1853年3月30日－1890年7月29日），出生在荷兰一个乡村牧师家庭。年轻时在画店里当店员，这算是他最早受的“艺术教育”。后来到巴黎，和印象派画家相交，在色彩方面受到启发和熏陶，并受到东方艺术，特别是日本版画的影响，形成了自己独特的艺术风格，创作出许多洋溢着生活激情、富于人道主义精神的作品。以此，人们称他为“后印象派”。梵高全部杰出的、富有独创性的作品，都是在他生命最后的六年中完成的。一位英国评论家说：“他用全部精力追求了一件世界上最简单、最普通的东西，这就是太阳。”他的画面上不单充满了阳光下的鲜艳色彩，而且不止一次地下面去描绘令人逼视的太阳本身，并且多次描绘向日葵。为了纪念他去世的表兄莫夫，他画了一幅阳光下《盛开的桃花》，并题写诗句说：“只要活人还活着，死去的人总还是活着。”
《向日葵》油画高99厘米，宽76厘米，作于1888--1889年间，是凡高以向日葵为题材的十三幅作品中最大的一幅。画面中，即将枯萎的向日葵象征着在巴黎的角落里奄奄一息的凡高，呈血红色的茎被剪断，如同凡高的生命被切断，明亮的黄色和阴暗的浅蓝色形成对比，似乎是一种非现实的美。画面左上角用“跳动”的红点涂过。这“跳动”的色点融汇在笔触的浅蓝色中，这一片小小的火焰，意味着画家的生命之火。评论界认为，就是这一幅《向日葵》确定了凡高在世界画坛上的地位。
《向日葵》原为英国著名私人收藏家、采矿工程师出身的矿业家贝蒂爵士和夫人伊迪丝所有，他们是一九三四年在巴黎买进这幅画的，无人知道当时他们付了多少钱。此画后由其遗嘱执行人交给佳士得拍卖行拍卖。佳士得拍卖行印象派部朗德尔在拍卖会前曾向客户介绍说：“在现代艺术中没有比《向日葵》更富有魅力的了，这幅画是最令人难忘的，世界各地都把它制在海报、圣诞卡和日历等各种东西上。这幅画完全可期待打破绘画作品拍卖的世界纪录”。
1987年3月30日（凡高诞辰134周年纪念日），佳士得拍卖行隆重推出荷兰绘画大师凡高的巨作《向日葵》，拍卖这幅作品前后用了4分半钟。“起拍价500万英镑。”拍卖师高声宣布。价格很快上升到1000万英镑，这正是拍卖行对这幅画事先估计的成交价。买主一个个退出竞价，竞争渐渐集中到两位通过电话报价的经纪人身上，两位不露身份的顾客在热线电话中竟相不让。闪光灯、摄像机的镜头对准了经纪人。价格仍在上升：2000万英镑，2100万英镑……“2250万英镑，最后一次报价，还有加价的吗，”拍卖师手举樱桃木小槌。“成交！”《向日葵》最后被日本安田水上火灾保险公司以2250万英镑（约4000万美元，58亿日元）的价格买走。英国当局为平息民愤留住此画，曾援引超过13400美元的艺术品必须取得出口许可和英国公民享有优先购买权的法令，等待愿出同样售价的英国买主出现。结果没有人舍得出那么多的钱，只能眼睁睁地看着这幅《向日葵》在精心护卫下运往日本。《向日葵》的拍卖，也使凡高的名声一跃而起，在世界画坛独领风骚。

现代主义美术：

20世纪以来出现的许多与传统美术流派不同的美术流派统称为现代主义美术。 

现代主义美术：

1、概念：
20世纪以来出现的许多与传统美术流派不同的美术流派统称为现代主义美术。
2、出现原因：
①20世纪以来，爆发了两次世界大战，给人们的心灵造成了巨大创伤； 
②工业化带来的快节奏生活也加剧了人们的紧张感，使人们不再满足于传统的艺术表现形式；科学技术的发展拓展了艺术家认识世界的视野，他们开始用新的表现形式和艺术精神进行创作。
③战后频繁的经济危机、冷战，使西方各国的社会问题层出不穷。
④艺术家们敏感地关注到工业和科技的发展给人类带来各种便利的同时也由此造成了一些新问题；
⑤同时他们深受20世纪以来各种社会思潮的影响；
3、特点：
反对传统和理性，重视艺术家的主观感受和表现形式，艺术上更趋于极端化。艺术形式多样化。
4、风格：
他们更多地吸收了东方和非洲的艺术风格。 　　
在他们的作品中，可以感觉到时代的快节奏；
感觉到现代人的精神创伤和心理困惑；
感觉到强烈的个人主义和虚无主义；
同时他们又具有用现代美学成果和现代科技成就进行创作的探索精神。 　　
令人眼花缭乱的艺术形式，在彻底颠覆传统艺术的同时，也越来越让人不懂艺术了。
5、代表人物及代表作：
毕加索[西班牙]：《格尔尼卡》

毕加索与《格尔尼卡》：

毕加索（1881—1973），西班牙著名画家，现代派绘画的主要代表人物。
1881年10月25日，他出生于西班牙小城马加拉。先后入巴塞罗那（1895年）和马德里皇家艺术学院（1897年）学习。1904年，他定居巴黎，从此在法国生活近70年。他早期的绘画受印象派的影响。
1907年，毕加索代表作《阿维农的少女》问世，从此与勃拉克开创了一个新的画派——立体主义绘画，后来形成分析立体主义和综合立体主义两个阶段。毕加索创造力惊人，是位多产画家，据统计，他的作品总计近37000件，包括：油画1885幅，素描7089幅，版画20000幅，平版画6121幅。
其作品对现代西方艺术有极大影响，享有很高声誉。　毕加索的一生辉煌之至，他是有史以来第一个活着亲眼看到自己的作品被收藏进卢浮宫的画家。在1999年12月法国一家报纸进行的一次民意调查中，他以40％的高票当选为20世纪最伟大的十位画家之首。对于作品，毕加索说：“我的每一幅画中都装有我的血，这就是我的画的含义。”全世界前10名最高拍卖价的画作里面，毕加索的作品就占据4幅。布面油画《格尔尼卡》，是毕加索作于1937年的一件具有重大影响及历史意义的杰作。此画是受西班牙共和国政府的委托，为1937年在巴黎举行的国际博览会西班牙馆而创作。画中表现的是1937年德国空军疯狂轰炸西班牙小城格尔尼卡的暴行。作为一个具有强烈正义感的艺术家，毕加索对于这一野蛮行径表现出无比的愤慨。他仅用了几个星期便完成这幅巨作，作为对法西斯兽行的遣责和抗议。此画结合立体主义、现实主义和超现实主义风格表现痛苦、受难和兽性。
毕加索自己曾解释此画图像的象征含义，称公牛象征强暴，受伤的马象征受难的西班牙，闪亮的灯火象征光明与希望……。当然，画中也有许多现实情景的描绘。画的右边，一个妇女怀抱死去的婴儿仰天哭号，她的下方是一个手握鲜花与断剑张臂倒地的士兵。画的左边，一个惊慌失措的男人高举双手仰天尖叫，离他不远处，那个俯身奔逃的女子是那样地仓惶，以致她的后腿似乎跟不上而远远落在了身后。这一切，都是可怕的空炸中受难者的真实写照。
在画面正中央，不同的亮色图像互相交叠，构成了一个等腰三角形；
三角形的中轴，恰好将整幅长条形画面均分为两个正方形。而画面左右两端的图像又是那样地相互平衡。可以说，这种所谓金字塔式的构图，与达芬奇(最后的晚餐)的构图，有着某种相似的特质。
另外，全画从左至右可分为四段：第一段突出显示了公牛的形象；
第二段强调受伤挣扎的马，其上方那盏耀眼的电灯看起来好似一只惊恐、孤独的眼睛；
第三段，最显眼的是那个举着灯火从窗子里伸出头来的“自由女神”；
而在第四段，那个双臂伸向天空的惊恐的男子形象，一下于就把我们的视线吸引，其绝望的姿态使人过目难忘。毕加索以这种精心组织的构图，将一个个充满动感与刺激的夸张变形的形象，表现得统一有序，既刻画出丰富多变的细节，又突出与强调了重点，显示出深厚的艺术功力。
画中的诸多图像反映了画家对于传统绘画因素的吸收。那个怀抱死去孩子的母亲图像，似乎是源自哀悼基督的圣母像传统；手持油灯的女人，使人联想起自由女神像的造型；那个高举双手仰天惊呼的形象，与戈雅画中爱国者就义的身姿不无相似之处；而那个张臂倒地的士兵形象，则似乎与意大利文艺复兴早期某些战争画中的形象，有着姻亲关系。由此可以看出，毕加索不仅是一位富于叛逆精神的大胆创新者，同时也是一位尊崇和精通传统的艺术家。

现代主义画派：

20世纪，美术受到西方现代主义思潮的深刻影响，形成了许多令人耳目一新的画派。如：野兽派是本世纪初出现最早的一个现代主义画派。
1905年，在法国巴黎秋季沙龙中展出了马蒂斯（1869—1954）等一批青年艺术家的作品。因其技法一反常规，被评论家称为“野兽般的艺术”，野兽派由此而得名，马蒂斯成为野兽派的著名代表。与野兽派几乎同时出现的表现主义画派，表现主义画派表现出强烈的孤独感和惶恐心情，以扭曲、粗糙的线条和具有强烈刺激的色彩，发泄内心的愤慨和苦闷。
1907年在法国艺术界出现的立体派，是本世纪影响最大的一个画派。它主张把一切形象解体成最简单的几何形块，按画家的意愿组合起来。这一派的杰出代表就是出生在西班牙拉加后定居巴黎的毕加索。“达达派”用怪诞、抽象、符号式的东西取代传统艺术，用纸片、抹布、电车票、火柴盒等画面上组成他们的作品，甚至把瓷质的小便器作为“喷泉”展品搬上展览会。现代美术流派众多，多姿多彩，但它们也表现出许多共同的特征。在技法上，它们大都反对传统的写实主义，追求新奇，空间结构错乱，色彩配置随意，点线紊乱，缺乏透视可谓它们共有的特点。在创作主旨上，它们都主张强调自我，表现个人情感和内心世界。可以说，现代美术艺术再现了20世纪西方世界的精神状况。